Oggi non leggiamo più lettere, ma email o messaggi sui vari social network. Oggi scrolliamo velocemente immagini, testi o video con il vizio di non assaporare lungamente la notizia o l’informazione che ci interessa ma, come in preda a una frenesia, andiamo avanti e poi indietro… Puntiamo il dito su un link e poi, a zig zag, su un altro ancora…
Eppure, davanti alla Donna in blu che legge una lettera, capolavoro di Johannes Vermeer, rimaniamo bloccati, catturati da quel blu mistico e da quella donna il cui nome non sappiamo.
Lei che legge, in realtà ci parla e ci invita nel suo mondo, un angolo lontanissimo nel tempo di una casa borghese dell’Olanda del XVII secolo.
La tela è ospitata a Roma dall’8 luglio all’11 ottobre 2026 presso Palazzo Barberini, prestito eccezionale del Rijksmuseum di Amsterdam (si ricorda che ogni prima domenica del mese l’ingresso è gratuito per tutti nei musei statali e nei siti del Sistema Musei di Roma Capitale).
Un’occasione rara per il pubblico italiano
L’assenza di opere di Vermeer nei musei italiani, unita alla rarità con cui i suoi capolavori (circa una trentina in tutta la sua carriera) vengono concessi in prestito, trasforma questa mostra in un evento culturale imperdibile.
Realizzata intorno al 1663-1664, la Donna in blu che legge una lettera è una delle tele più note di Vermeer e può considerarsi addirittura simbolo della pittura olandese del Seicento.
La magia della luce e del colore
La quotidianità fatta di piccole cose è rappresentata sapientemente dall’artista olandese attraverso la postura della donna, ripresa in piedi accanto a un tavolo e a delle sedie, di profilo, con il volto chino su una lettera e immersa in una tunica blu piuttosto larga, che lascia immaginare una percezione visiva di gravidanza.
Sulla parete frontale campeggia una cartina geografica che riproduce fedelmente le regioni della Frisia e dell’Olanda occidentale; mentre l’altra protagonista dell’opera, la luce, che da sinistra inonda l’intera scena, proviene da una finestra che non è rappresentata ma che, con uno spettacolare gioco illusionistico, può essere intuita dallo spettatore: magia della pittura che Leonardo, secoli prima, definì “cosa mentale”.
Il mistero della tecnica di Vermeer
Molti storici attribuiscono lo stile “fotografico” di Vermeer all’uso della camera oscura, strumento ottico molto in voga all’epoca e che proiettava l’immagine reale direttamente sulla tela: questo il motivo dell’assenza di disegni preparatori dell’artista olandese e dell’assoluta precisione della rifrazione della luce e dei contorni sfocati.
La poesia del colore e della luce di Vermeer è stata commentata non a caso da un poeta, Giuseppe Ungaretti, il quale ha sottolineato che il pittore, come altri piccoli maestri olandesi, si sia dedicato sempre agli interni, alla cosiddetta pittura di genere, ma in effetti abbia cercato altro.
“La luce che per lui vibra dai vetri o pare che muova l’ombra… Ma più che la luce ha trovato altro, ha trovato il colore, perché anche la luce ha un colore e anche l’ombra, vincolo indissolubile della luce”.
Un artista riscoperto nei secoli
Vermeer condusse una vita lontana dai riflettori del successo e per secoli il suo nome rimase per lo più sconosciuto, lasciando solo la traccia di una vita di buon padre di famiglia e rispettabile borghese di Delft.
Fu Marcel Proust il primo a dargli gloria definitiva, quando affermò:
“Avete visto certi quadri di Vermeer, vi rendete conto che sono i frammenti di un medesimo mondo che è sempre la stessa tavola, lo stesso tappeto, la stessa donna, la stessa nuova e unica bellezza, enigma… se non si cerca invece l’effetto particolare che il colore produce”.
Il fascino senza tempo della “Donna in blu”
Se, difatti, il tema del quadro è piuttosto comune in Vermeer oltre che, per secoli, in tutta l’arte del Nord Europa, la valenza dell’opera risiede nella maestria dell’artista che condensa in una tela, sia pure di piccole dimensioni, una potenza di luce, un ventaglio di sfumature, di colori — blu, giallo e ocra in prevalenza — che regalano all’intera opera anche una forte carica psicologica.
Vermeer ci regala un “fotogramma” di equilibrio tra ambiente e soggetto rappresentati come in una bolla traslucida che blocca per sempre la donna e il suo blu oltremare, ottenuto dalla frammentazione delle pietre di lapislazzuli, che sappiamo essere stato per secoli il colore mistico del manto delle Vergini sulle tavole medievali.
La figura femminile al centro del dipinto non è una semplice modella da osservare, ma un microcosmo di interiorità, sospensione ed emozione trattenuta.
Vermeer sceglie di non rivelare il contenuto della lettera né una reazione emotiva teatrale: non dipinge una storia, ma il momento psicologico dell’esperienza intima, trasformando una semplice lettura quotidiana in un’icona di attesa, riservatezza e raccoglimento emotivo.
Enigma che ancora oggi, nel nostro mondo tumultuoso, continua ad affascinare e a rapire nella luce di quel colore e in quello spazio racchiuso che è, simbolicamente, spazio interiore e contemplativo di ciascuno di noi.
di Carla De Giovine
